S’il y a bien une chose que j’ai apprise dans mon parcours d’artiste c’est que le dessin est un mélange de technique et d’émotions. Presque tout ce que nous faisons, que ce soit en art ou non, est un mélange de technique et d’émotions.
Lorsque vous débutez une formation, en dessin par exemple, votre professeur vous incitera à apprendre les bases. Les formes, les volumes, les traits droits, les ombres et les lumières, les proportions, la perspective, l’utilisation d’un médium, etc. Alors vous passerez des semaines, des mois, à travailler la technique. Vous ferez des progrès, c’est sûr. La pratique quotidienne est le seul secret pour progresser dans n’importe quelle discipline.
En revanche, dans mon apprentissage, j’ai oublié une étape. Une étape fondamentale : conserver l’émotion dans mes créations. J’étais tellement à la recherche de progrès technique lors de ma formation professionnelle que j’en ai oublié l’émotion.
ART = TECHNIQUE + EMOTION
Certains artistes font le choix volontaire de créer sans établir une véritable composition, de déformer une perspective ou encore d’exagérer les proportions. Ainsi, ils pourraient donner l’impression de ne pas maîtriser la technique. Mais en réalité, c’est tout le contraire. Ces artistes ne se sont pas basés sur les techniques et « lois » du dessin académique*. Ils ont créé leur propres techniques. Aussi, un artiste spécialisé dans l’art abstrait a lui aussi créé sa technique. Alors que certaines personnes verraient une toile recouverte d’éclaboussures de peinture, d’autres y verraient un artiste accompli qui a trouvé ou créé sa propre technique. Ils y voient une œuvre qui transmet une émotion forte.
*Le dessin académique est une technique de dessin enseignée selon les méthodes académiques françaises.
Faire la part des choses
Eviter de copier
La plupart des personnes qui souhaitent pratiquer le dessin auront presque toujours le même premier réflexe : chercher sur internet un modèle pour le reproduire. Et c’est la première erreur qu’elle commettra. Copier un dessin revient à recopier l’interprétation de quelqu’un d’autre. Vous copierez son sujet, sûrement son style aussi mais ne développerez pas le votre. De plus, si ce dessin comporte des erreurs, vous les recopierez à votre tour. Rien ne vaut un bon dessin d’observation pour comprendre, des exercices de perspective pour apprendre et des exercices d’imagination pour s’épanouir.
Le dessin réaliste n’est pas le seul style
Je vous parle très souvent de technique de dessin réaliste (tout simplement car le style que j’ai choisi et qui, au fil du temps, est devenu un peu ma spécialité ^^). Cependant, il faut bien garder à l’esprit que le dessin réaliste n’est qu’un style de dessin parmi bien d’autres ! C’est à force de découvertes, d’inspirations intérieures et extérieures et de pratique que vous trouverez votre style. Vous devez forcément avoir vu des artistes sur les réseaux sociaux produire des œuvres éclatantes de réalismes, et vous vous êtes certainement dit « qu’est-ce que j’aimerai savoir dessiner comme ça… ».
Si c’est le cas, alors bienvenue sur mon blog où je vous donne des petits conseils pour progresser !
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Mais il est aussi très possible que, même si le réalisme vous plait, il ne soit pas VOTRE style. Peut-être aimez-vous regarder des œuvres réalistes (ou leur process), mais peut-être que vous préfèreriez dessiner du cartoon ou de l’abstrait ?
Connaître les bases
Avoir des bases en dessin est fortement recommandé, mais pas obligatoire. Connaître les applications de base de certains outils vous aidera dans votre processus de création. En revanche, c’est à VOUS de construire votre propre style, de mettre une partie de vous dans vos œuvres. Une personne peut-être très bonne en réalisme mais peut aussi ne pas savoir comment rendre ses œuvres riches en émotions. A contrario, une personne peut mettre tout son cœur et sa passion dans sa création mais son message pourrait rester flou à cause d’un manque de connaissance en technique.
Mais concrètement, comment on fait pour trouver le juste milieu ?
Avant de créer, je réfléchis beaucoup. Certains pensent que ce manque de spontanéité peut rendre ma création moins forte, mais je pense honnêtement avoir trouver le juste milieu. Je sais quelle émotion je veux transmettre, je sais ce que je veux représenter et je garde cette part de spontanéité.
En revanche, je réfléchis à la façon de le faire : la composition, les couleurs, l’espace, le format, les textures, etc. Il y a d’ailleurs une phrase dans le livre de Valérie Belmokhtar qui m’a beaucoup impactée et que j’essaie d’appliquer le plus possible. Page 86 de son livre « Créer c’est exister » elle écrit « Réfléchir avant et après, mais pas pendant ». Elle nous explique ensuite que le perfectionnisme peut tuer notre créativité, et je suis totalement d’accord. J’ai d’ailleurs eu le plaisir de rédiger un article en partenariat avec Valérie et deux autres artistes très talentueuses. Découvrez-le ici : « Trouver l’inspiration et ne plus jamais être en manque«
Bref
Réfléchissez à la façon dont vous voulez représenter votre émotion, votre message avant et après. Mais lorsque vous créez, laissez votre cerveau droit commander. Car en réalité, ce n’est pas votre main qui dessine, c’est votre cerveau (ce sera le sujet d’un prochain article de blog). Faîtes-vous plaisir, réalisez une œuvre personnelle, mettez-y tout votre cœur, profitez de la sensation de votre crayon sur le papier, de ce bonheur de voir votre création prendre vie. Ne réfléchissez pas pendant que vous le faîtes. Ainsi, pour vos prochaines œuvres d’art vous trouverez votre propre équilibre entre technique et émotion. 🖤
Et voilà c’est tout pour aujourd’hui ! N’hésitez pas à me dire en commentaire ou par mail ce que vous avez pensé de cet article et/ou si vous aimeriez que je traite ici un sujet en particulier ! Je vous souhaite une bonne journée et vous dis rendez-vous dans 2 semaines pour le prochain article !
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